UN DÍA COMO HOY… 15 DE ENERO

1909

Nace Gene Krupa en Chicago, USA. Baterista, compositor y director de banda, reconocido por su inmortal solo de batería en el estandar «Sing, sing, sing» de Benny Goodman. Se crió en el lado sur de Chicago, hijo de padres polacos-americanos. El más joven de seis hijos, Krupa y su madre originalmente planearon que se convirtiera en sacerdote. Posteriormente, Krupa se educó en las escuelas St. Bridges e Immaculate Conception, Bowren High School y St. Joseph’s College. Cuando era niño, Krupa conoció a muchos músicos exiliados de Nueva Orleans que, después de que Storyville cerró, empacaron sus maletas y se mudaron al norte, a Chicago. Zutty Singleton conoció a Gene en ese momento, cuando sus talentos aún no habían sido explotados. La ciudad de Chicago de 1915 a 1929 fue una importante plaza de música vanguardista. Algunos de los mejores músicos de Estados Unidos salieron de Chicago durante este período de tiempo, entre ellos: Jesse Stacey, Eddie Condon, Pee Wee Russell, Jimmy McPartland, Dave Tough, George Wettling y Benny Goodman.

La primera introducción de Krupa a la música llegó mientras trabajaba de recado en una tienda de música local. Muchas veces se iba solo y escuchaba los discos. Durante un tiempo tocó saxofón, pero fue en un salón de baile donde Gene tuvo su primer encuentro con una batería y fue amor a primera vista. Sintiendo el potencial de Gene, su hermano le regaló su primer set de batería. A los 13 años, Krupa tocó por primera vez con una banda en una sesión improvisada. Este debut le valió trabajar con la banda The Frivolians, y ese verano, tocó con la Orquesta de Ben Pollack. Más adelante en su vida, Gene atribuyó a esas pasantías la mayor influencia en su carrera como baterista. Al tratar de desarrollar las habilidades en la batería o «golpear a las pieles», Krupa formó mucho su oído para desarrollar sus aptitudes musicales. Su perseverancia dio sus frutos, y mientras tocaba en una serie de clubes de aficionados y fiestas privadas, la Orquesta de Joe Karper lo contrató como su baterista, siendo esta su primera experiencia profesional. Un club llamado «Three Deuces» era el paraíso de un músico y la ubicación de las sesiones nocturnas entre Joe Sullivan, Tough, Condon, Bud Freeman y Frank Teschmaker. Una noche, Benny Goodman se acercó al club y vio por primera vez a Krupa, luego a los 19, tocando el grupo. En 1928, Krupa grabó con los músicos de dicho club. Bajo la etiqueta de Red McKenzie y Condon’s Chicagoans, se grabó «Nobody’s Sweetheart». Con el mismo grupo, bajo el nombre de Chicago Rhythm Kings, grabaron los temas: “There’ll Be Some Changes Made,” “Changes,” and “I’ve Found a New Baby.”

En 1928, Krupa abandonó todos los pensamientos de convertirse en sacerdote y se unió a Red Nichols and The Fifth Cents por tres años. Benny Goodman también se unió a la banda de Nichols para grabar «Chinatown», «On the Alamo», «Dinah» e «Indiana». En ese punto de la historia se reunieron los mejores músicos del entonces: Benny Goodman, clarinete; Glenn Miller, trombón; y Krupa. En este punto de su carrera, Krupa no podía leer música y, durante los ensayos, improvisaba las partes de batería. Glenn Miller, sin embargo, lo enfocó más en este campo. Hacia 1931, se unió a Irving Aaronson and His Commanders, y después de un año, realizó una gira con la banda de Russ Columbo. Benny Goodman organizó la banda para Columbo y pasaron un verano en Woodmansten Inn. Goodman y Krupa finalmente se separaron y no fue hasta 1934, mientras tocaba en el restaurante Music Hall, que Goodman, ahora con su propia banda, decidió reunir a los mejores músicos y hacer una gira por Europa. El personal de la banda incluía a Wilson y Krupa. La gira, sin embargo, nunca sucedió, pero Krupa se convirtió en miembro de la Orquesta Goodman. Desde 1935-1937, la fama de Goodman se intensificó, al igual que la de Krupa. Goodman quería un baterista que pudiera «hacer swing» y sintió que solo Krupa podía cumplir con sus estándares. Aunque Krupa se estableció con la Orquesta de Goodman, fue la fama del trío y cuarteto Benny Goodman que tuvo mucho que ver con el ascenso de Krupa en el mundo de la música. Todo comenzó en una fiesta en la casa de la cantante de jazz Mildred Bailey. Teddy Wilson se sentó al piano para brindar algo de música a los invitados. Goodman siguió el ejemplo de Wilson y sacó su clarinete. Un primo de Bailey había instalado sus tambores en la sala de estar. Krupa se sentó detrás de los tambores y los tres comenzaron a atascarse. La idea del trío de Benny Goodman nació, y varios días después, Goodman acordó una fecha de grabación con Wilson y Gene. El Goodman Quartet, tan popular como el trío, incluía a Lionel Hampton en vibráfono. El trío se encontró con Hampton en el Paradise Nightclub en Los Ángeles, y para su sorpresa, terminó en el quiosco de música con él. Tocaron juntos durante varias horas esa noche y tan impresionante fue Hampton que fue invitado a su círculo, haciendo del famoso trío un cuarteto. Tiempo después, se materializaba el sueño de un proyecto propio para Krupa. Ante un gran público apareció como solista con gran éxito, y en el apogeo de su tremenda popularidad, la banda contó con el trompetista Roy Eldridge y la vocalista principal Anita O’Day. Krupa estuvo atento a Eldridge durante mucho tiempo y, cuando Eldridge finalmente accedió a unirse a la banda, Krupa celebró con júbilo esta incorporación. Algunas de las grabaciones más exitosas de Krupa se hicieron durante este período, como «Georgia On My Mind», «Green Eyes», “Thanks For the Boogie Ride” y “Let Me Off Uptown.” Krupa se vio obligado a disolver su banda en 1942, como resultado de su arresto por posesión de estupefacientes. Aunque los cargos finalmente se retiraron, Krupa cumplió 84 días en la cárcel. Tras su liberación, se reincorporó a la orquesta de Goodman durante varias semanas. La experiencia fue personalmente trágica y, sin embargo, no pareció afectar su carrera de ninguna manera. El público aún amaba a Krupa y en 1944, recuperó su título como el baterista más destacado de los Estados Unidos. En ese mismo año, realizó una gira con la orquesta de Tommy Dorsey durante 6 meses, ganando la confianza para formar otra banda, una banda grande como la de Dorsey con una sección de cuerdas completa. La nueva banda no era lo que los fans de Krupa esperaban. Acostumbrado a la calidad de «swinging» que hizo a las audiencias amar al «Rey de los Hidebeaters», se les ofreció un nuevo Gene. Krupa se colocó en el papel de líder de banda, rara vez tocando la batería. Cuando tocaba, las actuaciones de Krupa estaban llenas de destello, acumulando tanta destreza técnica en su juego como para convertirse en una desventaja. La nueva banda fue incluso menos exitosa para la crítica musical. Finalmente, Krupa volvió a la música de swing que lo hizo famoso: la grabación de “Leave Us Leap” y “What’s This?” En 1951, Krupa se afilió al grupo Jazz At The Philharmonic durante tres años y lideró varios tríos y cuartetos. , el primer cuarteto con Charlie Ventura y Eddie Shu. Otra aventura exitosa de Krupa fue la escuela de batería que él y el baterista Cozy Cole abrieron en 1954. En dos años, la escuela tenía un promedio de 135 a 150 estudiantes por semana. Aunque los años restantes de su vida fueron menos activos debido a un ataque cardíaco producido en 1960, Krupa intentó mantener un horario de trabajo estable. Estaba limitado a jugar unos 6 meses al año, principalmente en el Metropole en Nueva York. Krupa decidió en 1967 retirarse, aunque apareciendo esporádicamente con Benny Goodman. Lionel Hampton y Teddy Wilson varias veces. Su actuación más memorable fue la noche de apertura en el Festival de Jazz de Newport de 1973 en el Carnegie Hall. El Festival de Newport ’73 fue una de las últimas apariciones públicas de Krupa, ya que la tensión de la leucemia lo debilitó aún más. El 16 de octubre de 1973, Gene Krupa falleció en su casa en Yonkers, Nueva York. Varios meses después, los amigos y colegas de Krupa, entre ellos Teddy Wilson, Buddy Rich, Louie Bellson, Anita O’Day, Cozy Cole, Roy Eldridge y muchos otros celebraron un concierto en el Felt Forum de Nueva York en honor al 65 cumpleaños de Krupa. El «Concierto para batería» de Lionel Hampton se realizó para la ocasión, un tributo memorable y apropiado para un hombre cuyo espíritu vive a través de la inspiración que transmitió a todos los bateristas.

Fuentes:

– Enciclopedia del jazz – Leonard Feather, Horizon Press, 1955.

– Las grandes bandas – George Simon, Macmillan Company, 1967.

– The New York Times – John S. Wilson, 17 de octubre de 1973.

– Gene Krupa – Arnold Shaw, Pin-Up-Press Company, 1945.

Gene Krupa

1917

Fallece José Manuel Jiménez Berroa «Lico Jiménez» en Hamburgo, Alemania. Pianista, concertista, pedagogo y compositor cubano que ha representado uno de los íconos universales en la historia de la música cubana.»Lico» Jiménez constituye uno de los más relevantes exponentes de la cultura musical cubana y su proyección internacional la adquirió desde muy joven, afirmación validada por la crítica nacional y extranjera durante la segunda mitad del siglo XIX. Su virtuosismo lo llevó a ser catalogado como el «Liszt de ébano cubano»: La comparación con uno de los mejores pianistas del mundo en el siglo XIX, el húngaro Franz Liszt, fue iniciativa del músico dominicano Américo Lugo Romero. Este hijo de María Andrea Berroa y José Julián Jiménez, nació en la sureña ciudad cubana de Trinidad y fue bautizado en Enero de 1852 en la Iglesia Parroquial de la Santísima Trinidad. La historia familiar, de quien en un ambiente propicio al arte comenzó a ser llamado «Manuelico» y finalmente «Lico» -reconocido así internacionalmente -, se remonta a José, considerado el primer Jiménez del cual se tiene referencia como profesor de violín. Le seguirían Francisco Nicasio, director de orquesta, su hijo José Julián (destacado violinista) y sus nietos: el clarinetista Juan Bautista, el violoncelista Nicasio Gregorio y José Manuel, prominente pianista. Manuel Berroa, abuelo materno de este último, es maestro en la interpretación pianística y quien lo inicia en el estudio de la música. Con él arribo a Trinidad del violinista alemán Karl Werner, quien andaba en busca de un pianista acompañante apropiado para uno de los conciertos en el interior del país, sale a la luz la genialidad del joven «Lico». Aprovechó la oportunidad que se le brindó de viajar a Bremen, lo que aconteció el 11 de Junio de 1867, contando aún con 15 años de edad, y desde allí continuó su viaje hasta la ciudad de Hamburgo.

Durante doce años (1867-1879) Lico permaneció en territorio europeo, concretamente franco-alemán, y se formó en los conservatorios de Hamburgo, Leipzig y París. Varios textos señalan que gracias a una colecta entre personas pudientes de la época, pudo cruzar las fronteras de su país para perfeccionar sus estudios musicales. En Hamburgo, Alemania, fue recibido por el maestro Armbrust, quien le impartió clases hasta su deceso. A la muerte del profesor, se fue junto con su hermano y su padre hacia la ciudad de Leipzig. Ya en París quedó bajo la tutela del maestro de piano Antoine Marmontel. El talentoso pianista cubano, en plena juventud, recibió el diploma de la Musikhochule de Leipzig (1875), el primer premio en el concurso de la clase de Marmontel y el diploma del Conservatorio de París (en Julio de 1877). Unido a ello resaltan los comentarios de dos grandes de la música europea del siglo XIX: Franz Liszt y Richard Wagner. Asimismo, se incorporó al Trio des negres, que integraron su padre y su medio hermano, el violoncelista Nicasio Gregorio. Al regresar a su lugar de origen, en la vecina ciudad de Cienfuegos, contribuyó al desarrollo del movimiento cultural de la villa en compañía de la soprano Ana Aguado, el flautista Guillermo M. Tomás y artistas aficionados de los años 1880. La villa cienfueguera acogió a Lico, quien se presentó en salones de sociedades de instrucción y recreo como «El artesano», «El Liceo», el Casino Español y el Teatro Terry. Ha sido catalogado como un músico que se desenvolvió dentro del movimiento romántico, que se exhibió en Cuba como reflejo del romanticismo europeo. Se entregó por completo a la enseñanza musical hasta su fallecimiento a la edad de 65. Entre sus composiciones se encuentran estudios sinfónicos como «Elegía», «Solitude», «Murmullo del céfiro», «Rapsodia cubana» y el «Vals Capricho», además de otras canciones y obras para piano. Había nacido el 07 de Diciembre de 1851 en la región cubana de Trinidad.

Fuente: http://www.cadenagramonte.cu/efemerides/ver/1851-nace-el-pianista-jose-manuel-jimenez-berroa-el-liszt-de-ebano-cubano

1945

Se establece la fecha del 15 de Enero como la celebración del Día del Compositor, conmemoración que nace a partir de la fundación de la Sociedad de Autores y Compositores de México (SACM) el 15 de Enero de 1945. Aunque la creación de la Entidad fue el 07 de Enero, se registró oficialmente una fecha como esta. Dicha conmemoración se celebra de manera informal desde 1965, pero de manera oficial se lleva a cabo desde 1983, y se gestó con el principal objetivo de exaltar la memoria de los compositores mexicanos, y de contera, los compositores del mundo entero. Para todos los autores y creadores un muy feliz día.

1948

Nace Francisco Hernández Vegas «Teo Hernández» en Barlovendo, Estado Miranda, Venezuela. Prestigioso cantante que se diera a conocer grabando cuatro producciones junto a Los Dementes de Ray Pérez. Expuso su talento junto a La Crítica de Oscar D’Leon, la orquesta Venezuelan Masters y más recientemente junto a la Descarga Criolla del percusionista Joel «Pibo» Márquez. Desde los inicios de su vida había mostrado interés por la música, y a base de talento natural ocupó plazas importantes al lado de otros históricos soneros y músicos venezolanos como Joe Ruíz, con quien compartió en la Orquesta Rumbón 10, y por supuesto Oscar D’León en épocas de su orquesta La Crítica donde compartió junto al popular bolerista Wladimir Lozano y junto a Leo Pacheco.

En su etapa maravillosa con Los Dementes de Ray Pérez recordamos su voz en piezas como «Mi deuda de amor», «El mar, la noche y tú», «Aquí estoy yo», «Mata que Dios perdona», «Se contentó el jibarito», «Te voy a hacer llorar», «Romance guajiro», «Vengo de Oriente», «Esta navidad», y «Rómpelo», títulos que llegaron a ser prensados por Fania Records. Y junto a La Crírica de Oscar D’León le recordamos en temas como «Paz», «Pruebe candela», «Cruel desilusión», «Ayer murió nuestro amor», «Amada ven», «El último suspiro», «Versión del guaguancó», «Ansia», «Tú, el amor y yo», «A Colombia» y «Ahora si tengo rumbero». La voz de Teo acalló para siempre a sus 72 años, el 19 de Mayo de 2020 a causa de un fulminante paro cardíaco.

Teo Hernández

1964

Fallece Norosvaldo Morales Sanabria «Noro Morales» en San Juan, Puerto Rico. Pianista, compositor y director orquestal puertorriqueño, nada menos que uno de los más legendarios pianistas de nuestra música latina. No es secreto para nadie su origen de una familia netamente musical empezando por su padre, el violinista Luis Morales, siguiendo por sus hermanos: Alicia (también pianista), José «Pepito» (Saxofonista), Humberto (Timbalero) e Ismael «Esy» (Flautista). Después de adelantar estudios musicales con algunos de sus hermanos en Venezuela, ya que allí se encontraba su padre, Noro regresa con su familia a Puerto rico y debuta musicalmente en algunas orquestas de renombre como la Sinfónica de Rafael Sánchez, The Midnight Serenaders de Augusto Rodríguez Amador, la orquesta de Carmelo Díaz Soler, y la gran institución del maestro Rafael Muñoz por donde iniciaron grandes luminarias de la música latina.

Para 1935 Noro desembarca en Nueva York donde parsimoniosamente se abre camino en el panorama musical, actuó en las orquestas de Alberto Socarrás, Augusto Coen y Johnny Rodríguez con quien registra las primeras grabaciones bajo el sello Columbia Records. Ya en Mayo de 1938 configuran la orquesta familiar conocida como «La orquesta de los Hermanos Morales» conquistando el escenario nocturno de Nueva York y registrando las primeras grabaciones, muchas de ellas de la pluma de Rafael Hernández quien vivía un piso arriba de donde habitaba Noro y así estrecharon un gran lazo musical. Por la orquesta pasaron las increíbles voces de Johnny Lopez, Juan Torres «El boy», Miguelito Valdés, Pellín Rodríguez, Joe Valle y Francisco Gutiérrez Grillo «Machito» quien curiosamente se convierte en su competencia por la popularidad en el ambiente neoyorquino a inicios de los años cuarenta. Hemos de recordar que allí tanto Tito Rodríguez como Tito Puente compartieron ideales, poco antes de acaecer el histórico acontecimiento del club La Conga -posteriormente China Doll- y los encuentros con José Curbelo. De aquí en adelante es solo decir que los toques de la orquesta de Noro fueron inspiración para otros grandes exponentes del piano como Charlie Palmieri, Hector Rivera y otros más. Grabaron para las disqueras Decca, Coda, MGM Records, RCA Victor, Tico y Ansonia, en sus últimos años como buena agrupación de música excitante y bailable produjo piezas como «Vitamina», «Mi guajira» y «Papá boco». Tras descuidar su salud por el exceso de peso, el gran Noro se nos marchaba a sus 53 años de vida. Había nacido el 04 de Enero de 1911 en Puerta de Tierra, San Juan, Puerto Rico.

Noro Morales
https://www.youtube.com/watch?v=oc5Pmcs41-0

1985

Fallece Paula Rita Cándida Coll Núñez «Nena Coll» en Cuba. Contralto, pianista, compositora, musicóloga y pedagoga habanera quien dedicara su obra a la música sacra popular, la música coral y a las danzas cubanas. Recordamos sus himnos a San Lázaro, Santa Ana, a la Caridad del Cobre, y danzas cubanas como «A mi me llaman Otilia», «Soy criolla», «Suena el guateque» y «Cuenta palomita». Su vida terminó a los 88 años.

1996

Fallece Leslie Thompson Baxter «Les Baxter» en Newport Beach, California, USA. Músico, compositor y arreglista norteamericano Lex Baster. Recordada ha sido su trayectoria como arreglista, por ejemplo de las grabaciones de Nat King Cole. Realizó estudios de piano en el Conservatorio de Detroit antes de culminar sus estudios en el Pepperdine College de Los Ángeles. Como profesional debuta en 1943 tocando el saxo tenor y el barítono para la big band de Freddie Slack. Posteriormente amasó una carrera como concertista de piano y como cantante, faceta en la que se expone con la banda The Mel-Tones de Melvin Howard Tormé «Mel Tormé». Pronto erigió su propia banda con la que lanzó resonantes éxitos como «The Poor People of París», «Ruby», «Sinner man» y «Unchained melody», entre otras; fue arreglista y director musical de Capitol Records, y en 1960 formó la banda Balladeers donde debutó el cantante David Crosby.

Tuvo una exhaustiva e interesante actividad cinematográfica en las décadas de los sesenta y setenta realizando numerosas bandas sonoras, y también fue muy recordado por ser uno de los pioneros de la «música lounge» en Norteamérica, posee una estrella en el Paseo de La Fama de Hollywood, en el 6314 Hollywood Boulevard. Falleció a sus 73 años de edad. Había nacido el 14 de Marzo de 1922 en Texas, USA.

Les Baxter

2002

Fallece Luis Guillermo Pérez Cedrón «Lucho Argaín» en Cartagena de Indias, Colombia. Cantante, compositor y director musical cartagenero, líder de la afamada Sonora Dinamita. Desde su niñéz siguió la labor de orquestas como el Trío Matamoros y la Orquesta Casino de la Playa, lo que comenzó a estimular sus dotes musicales escribiendo sus dos primeras canciones a la edad de 17 cuando se enlistó en el ejército: «Ana Leonor», y «Eres mala conmigo». Después de una aventura por las calles y la estaciones radiales en la ciudad amurallada se trasladan a Barranquilla donde surgen las primeras grabaciones para la disquera Curro. Con esto se empieza a dar forma a lo que sería una orquesta con el formato de sonora que inicialmente se llamara Sonora Buscapié y posteriormente Sonora Dinamita.

En 1957 llegan los éxitos «Yo la ví» y «Si la vieran», y como consecuencia, conoce al gran compositor Enrique Bonfante, quien a su vez lo relaciona con Antonio Fuentes, el fundador de Discos Fuentes acogiendo el talento de Argaín como cantante y compositor, incluyendo en sus filas a músicos como Lalo Orozco, Pedro Laza y Clodomiro Montes, lo que supuso un gran éxito que rápidamente se posicionó en el mercado mexicano. La primera etapa de la Dinamita llega a su fin en 1962, y en ese año Argaín se incorpora a Los Corraleros de Majagual. Posteriormente trabaja junto a Alfredo Gutiérrez para la disquera Sonolux, trabaja junto a agrupaciones como Los Satélites de Colombia, la Sonora Cordobesa, Pedro Laza y sus pelayeros, la Sonora Barulera, y hacia 1977 se reconstituye la Sonora Dinamita con éxitos como «Del montón» con gran aceptación en México e incluyendo a más figuras de la música tropical colombiana. Recordamos de su autoría otros éxitos como «Se me perdió la cadenita», «Maruja», «El tizón», «Porro bonito», «La boa», «Cumbia en el bohío», «La niña», «Mayén rayé» y «Carola». Lucho había nacido el 20 de Febrero de 1927 en Cartagena de Indias.

Lucho Argaín

Un día como hoy…

Nace Jaime Riascos «Jimmy Negrón» en Buenaventura, Valle del Cauca, Colombia. Productor, compositor y cantante bonaverense conocido artísticamente como Jimmy Negrón. Hizo parte de agrupaciones como Alquimia «La sonora del XXI», Los Tupamaros, Los Ocho de Colombia, La Mambo Big Band de Germán Villarreal y otras agrupaciones de música tropical colombiana. Actualmente reside en la capital colombiana con su Rola Orquesta.

Jimmy Negrón

Un día como hoy…

Nace Janna Tornez en México. Vocalista de la agrupación colombo-mexicana EB Salsa liderada por el bajista caleño Edwin Benavides. Su bien ponderada y romántica voz ha sido el ingrediente del gran éxito arrollador en tierras mexicanas para esta jóven agrupación que ha hecho parte de diferentes shows televisivos e importantes eventos de la cultura musical en México, como embajadores del sabor colombiano.

Janna Tornez

SEGUIMOS BATALLANDO EL SON.

UN DÍA COMO HOY

ESCRITO: JHONNY VELÁSQUEZ REYES

EDICIÓN: ANGELINA MEDINA QUIROGA

SECCIÓN ORIGINAL DE HERENCIA RUMBERA RADIO

LIMA – PERÚ

ENERO 2021

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